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diciembre 07, 2010

MADEMOISELLE RIVIÈRE

Mademoiselle Caroline Rivière



Jean Dominique Ingres pintó el retrato de esta muchacha cuando tenía quince años, por encargo su padre. El pintor realizó también el retrato de su madre, pleno de sensualidad y madurez. En cambio en éste, todos los elementos tienden a poner de manifiesto el candor y la pureza de la muchacha. La joven había fascinado a Ingres y desgraciadamente murió ese mismo año de 1805 en que el artista la pintó. El vestido blanquísimo se acompaña de una boa de plumas de cisne, igualmente blancas. Los críticos rechazaron esta redundancia, porque la consideraban demasiado brillante. La figura se yergue perfectamente nítida contra un sereno paisaje de verdes y azules que refresca el ambiente. La mirada de ella es a un tiempo tímida y penetrante, jugando al juego de la madurez que se anuncia en una adolescente. El retrato resulta de los más logrados del artista

Se conserva actualmente en el Museo del Louvre.


Mademoiselle Riviere - Botero- 2002


Fuentes: Wikipedia

CABEZONA, LA NENA

(LA CRÍTICA MORDAZ E INTELIGENTE DE UN MUCHACHO QUE SABE)

"No sé muy bien qué quiere decir un retrato "bien logrado".
Casi siempre dicen eso cuando quieren decir que la pintura se "parece mucho" al modelo. Lo cual es bastante difícil de comprobar hoy día, ya que dicha adolescente hace rato que es historia y creo que cuando la pintaron todabía no existía la fotografía. O casi. Si este fuera el caso, es decir, que se parece mucho el cuadro al modelo, esa joven estaría en serios problemas. Especialmente traumatológicos, si nos fijamos en que el diámetro de su cabeza casi iguala al de su tórax, que su cuello es un imposible y su torso es más imposible aún. Cabezona la nena.
Uno, sin ser nadie, piensa que a Ingres le importaba un carajo esa joven y lo que quería era cobrarle al viejo. ¿Querés un retrato pintado por Ingres? Pagá. Pero también quería pintar a la Ingres.
Y el Ingres sabía que el viejo burgués no se iba a dar cuenta de nada si él usaba a la nena como pretexto para sus juegos formales increíblemente libres, siempre que la caripela fuera parecida. Y con esa cosa a caballo entre lo neoclásico y lo romántico que siempre lo caracterizó, con su rara herencia gótica por un lado y rafaeliana por otro, se dio una fiesta con las curvas y espirales de la boa de plumas jugando con las curvas del brazo, el drapeado del vestido y el rafaeliano arco que enmarca la cabeza. La curva de la boa, a la derecha es absolutamente paralela al borde superior derecho del cuadro.
La curva extraña del cuello es indispensable para compensar eso. Sentir el peso del guante del brazo izquierdo cortando en diagonal la blancura de la figura y culminando en el acento del mismo color de la puntita del otro guante que se asoma detrás de la falda. Es de esa capacidad de construcción de la que se habla cuando se habla del fantástico dibujo de Ingres. No del parecido. No sobra nada ni falta nada. Cualquier cosa que se saque y el cuadro de cae. Todo está como atornillado al plano. Probar tapando cualquier elemento con el dedo e imaginarse que no está.
Por eso lo admiraba Degas. Y Picasso… Una línea pasa desde Ingres a través de Degas y los prerafaelitas y llega al cubismo y el constructivismo. Botero se daba cuenta.
Hablando de eso, no hay figura más geométrica que la Odalisca de Ingres. Mirar en la Wiki o dónde sea. Mirar el juego de líneas y quedarse mudos. Y el color… un despelote. Ponela Archimboldo, ponela, a la Odalisca digo.
Mademoiselle es lo de menos. Aunque si de mujeres pintadas hablamos, el viejo Ingres es el que más minas debe haber pintado en su vida. Y no sólo pintado"…


GRACIAS SANTI POR LOS COMENTARIOS RECIBIDOS.

A los millones de lectores que entran acá, les recomiendo

divaguesdelsanti.blogspot.com

diciembre 09, 2010




octubre 30, 2010

Las Meninas de Velázquez y otras versiones

Conocida popularmente desde el siglo XIX como Las Meninas, el cuadro fue titulado originalmente como La familia de Felipe IV y es, probablemente, la obra más importante del pintor español Diego Velázquez. Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de grandes dimensiones, con las figuras representadas a tamaño natural. Aunque no tiene firma ni fecha, por fuentes indirectas se data en 1656. Se halla expuesta en el Museo del Prado de Madrid.


Francisco Goya, Las Meninas, 1778


Pablo Picasso, Las Meninas, 1957


Las Meninas de Velázquez por Richard Hamilton



Sophie Matisse, Las Meninas, 2001


Famosa es la frase de Picasso dicha en 1950 a su amigo Sabartés en una conversación sobre arte:

Si alguien se pusiese a copiar Las Meninas, totalmente con buena fe, al llegar a cierto punto y si el que las copiara fuera yo, diría: ¿Y si pusiera ésta un poquito más a la derecha o a la izquierda? Yo probaría de hacerlo a mi manera, olvidándome de Velázquez


Ver más en :http://search.it.online.fr/covers/?m=1656


septiembre 08, 2010

LA VENUS DEL ESPEJO


La Venus del espejo es un cuadro de Velázquez (1599-1660), el pintor más destacado del Siglo de Oro. La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido.

Novedad pictórica por usar como centro un espejo, y porque muestra el cuerpo de Venus de espaldas respecto al espectador. Al encontrarse la mujer de espaldas, no resulta un desnudo provocativo.



Es una innovación, para un desnudo de gran tamaño, que se muestre la espalda del sujeto, aunque había precedentes de esto por ejemplo el Hermafrodita Borghese , una antigua copia romana, excavada hacia 1608–20 de un original helenístico, actualmente en el Louvre. Cuando Velázquez estuvo en Roma, encargó un molde de bronce de la obra para Madrid


En 1914 el lienzo fue atacado con un hacha corta de carnicero por Mary Richardson, una sufragista militante británica. Su acción fue aparentemente provocada por el arresto de la compañera sufragista Emmeline Pankhurst a quien vemos en el monumento. Richardson dejó siete cortes en la pintura, causando daño en la zona entre los hombros de la figura.

«He intentado destruir la pintura de la más bella mujer en la historia de la mitología como una protesta contra el Gobierno por destruir a la Sra. Pankhurst, quien es la persona más hermosa de la historia moderna.» Añadió en una entrevista de 1952 que a ella «no le gustaba la manera en que los visitantes masculinos la miraban boquiabiertos todo el día»

Desde 1906 la Venus del Espejo es uno de los tesoros de la Galería Nacional de Londres .

agosto 20, 2010

Las hilanderas


La fábula de Aracné o El sueño de Aracné, popularmente conocido como Las hilanderas es un lienzo de Diego Velázquez ,conservado en el Museo del Prado.

Esta obra es de los máximos exponentes de la pintura barroca española y está considerada como unos de los grandes ejemplos de la maestría de Velázquez. Temáticamente es una de sus obras más enigmáticas, pues aún no se conoce el verdadero propósito de esta obra. En el cuadro se representa a Aracné, una extraordinaria tejedora, que Ovidio describió en sus Metamorfosis . La mortal desafió a la diosa Minerva para demostrar que tejía como una diosa. El resultado fue un empate y se concluyó que el tapiz de Aracne era de igual calidad que el de la diosa. En el cuadro en primer término se ven a la diosa y a Aracne tejiendo sus respectivos tapices. En el fondo se representa el momento posterior, colgados en las paredes los tapices terminados, en que se declaran de calidad equivalentes.

Hay quienes además, buscan en este cuadro otros significados ocultos y simbólicos. Podría tratarse de una alegoría política, en la que la hilandera de más edad representaría la obediencia al poder establecido, mientras que el torno representa la velocidad y variabilidad de los mandatos. El gato sería «el buen súbdito, independiente y a la vez sumiso», mientras que la «buena política» se representaría mediante la viola da gamba. Las figuras del fondo, Palas Atenea y Aracne serían las alegorías de los reinos de Portugal y Cataluña, cuya insurrección mantenía preocupada a la Corona, mientras que las tres damas representan a las problemáticas Castilla, Andalucía y Aragón

Fuente: Wikipedia

junio 10, 2010

las mujeres de Rembrandt



Rembrandt contraerá matrimonio en 1634 con Saskia Van Uylemburgh, sobrina de su socio y poseedora de una magnífica dote. Gracias a este matrimonio, el pintor va a ascender tanto social como económicamente. Durante los ocho años que convivieron, Saskia va a ser el principal baluarte de la vida del artista y se va a convertir en una de sus modelos favoritas. Este retrato está realizado siguiendo las pautas que convirtieron a Rembrandt en el mejor retratista de Amsterdam: realismo a la hora de realizar el rostro, detallismo en las joyas y en los ropajes y una luz dorada que ilumina lo que interesa al artista y deja el resto en semipenumbra. El fondo neutro es un recurso muy utilizado para hacer que la figura del retratado adquiera mayor volumen.





Saskia van Uylenbourgh, murió en 1642. Había contratado en 1646 a una criada que luego fue amante Hendrickje Stoffels, a la que hizo posar como Betsabé para este cuadro. En él destacan las principales características del estilo de Rembrandt, el dominio de la técnica del claroscuro, la iluminación contrastada con la que consigue unos juegos de luces de gran efecto, su acentuado naturalismo, y el ambiente de misterio que consigue con una gran riqueza plástica.
Una luz mágica ilumina la estancia y la figura de Betsabé, conjugando de forma excepcional la sombra del fondo y la claridad.



VINCENT VAN GOGH ESCRIBIÓ SOBRE REMBRANDT:





...Por el mismo motivo que cuando pinto aldeanas quiero que sean aldeanas, por la misma razón cuando son putas, quiero tengan una expresión de putas.
Eso explica que la cabeza de puta de Rembrandt me haya impresionado tanto. Porque ha captado infinitamente bien esa sonrisa misteriosa con la seriedad que sólo él, el mago de los magos, podía hacerlo.
Esto es algo nuevo para mí, y lo quiero lograr a toda costa. Manet lo ha hecho y también Courbet...y bien! por dios!
Tengo la misma ambición, porque además he sentido hasta la medula la infinita belleza de los análisis femeninos de los grandes maestros de la literatura, Zola, Daudet, Gouncourt, Balzac...
Y es que siento en mí la obstinación y estoy por encima de lo que la gente pueda decir de mí y de mi obra"
Vincent a Theo
Amberes, diciembre 1885




http://www.artque.com/?q=node/25

http://lineaserpentinata.blogspot.com/2009/04/rembrandt-y-las-mujeres-y-3-hendrickje.html

http://apartirdevincent.blogspot.com/2009/02/las-mujeres-de-rembrandt-zola-balzac.html